Pinturas para
ver con tiempo

En un barrio periférico de la ciudad de Lima, un grupo de niños corre tras una pelota de fútbol, mientras detrás se levantan viviendas precarias de madera, esteras y ladrillo expuesto. La pintura expone la paradoja de una infancia que, aun atravesada por la pobreza, encuentra en el juego un territorio de libertad. Este contraste busca subrayar la fuerza simbólica del juego como motor de resistencia. La obra es un homenaje a la memoria colectiva de los asentamientos humanos, donde el juego se convierte en un símbolo de pertenencia, identidad y resiliencia.

La figura de una joven mujer camina entre las ruinas de una ciudad devastada, en medio del paisaje hostil la protagonista avanza. El personaje se inspira en la figura de la hija de la artista, cuya presencia es monumental. La obra articula una narrativa de esperanza: cuando todo parece perdido, se puede encontrar en una sola figura —una mujer, una madre, una hija— el impulso para no rendirse. En ella se concentra la idea de que lo femenino es fortaleza, liderazgo y resistencia.

Veo bosques y estrellas. Una voz amable me consuela, a mí, diminuta bajo el cielo altísimo, olvidadiza y pocas veces triste, marchando bajo el ancho cielo. Si alguien quisiera mimarme, no sabría ya comprenderme, llevo el corazón enterrado, camino porque llevo botas y me he olvidado de todo, excepto de caminar.

¿O es que no hay flores en el horizonte y un paisaje tan plácido donde pueda sentarme a llorar? Adaptado de José María Remarque

El sol se puso sobre nuestras promesas explora la intensidad de los vínculos humanos durante los desacuerdos. En el centro, una mujer herida con vestido de gala, se erige como una figura cargada de desolación y pesadumbre, mientras un hombre en penumbra le da la espalda. La escena se sitúa en un atardecer ocre, contaminado, sobre los restos de una ciudad. La luz y el entorno en ocres y naranjas sugieren la tensión en lo que alguna vez fue un pacto afectivo o social, reforzando la metáfora de un sol que se apaga sobre las promesas hechas. La mujer, bajo una luz de reflector blanco, y pese a la herida visible, sostiene una mirada firme hacia el horizonte, representando resistencia frente a la traición y el abandono.

Esta obra plantea una reflexión sobre la fragilidad de la existencia y la capacidad humana de resistir frente a la devastación. El personaje central es un ex soldado sobreviviente de la guerra. Él sostiene una flor en sus manos, como un gesto de vitalidad que contrasta con la realidad de la violencia y la crudeza de la muerte en el contexto de la guerra. Detrás se ven las ruinas de un templo, un escenario que representa un cambio de paradigma, la caída de lo que es sagrado, el derrumbe de las creencias más férreas.

Las últimas heroínas nace a partir de imágenes compartidas en tiempo real en las primeras fases de la ocupación israelí de la Franja de Gaza. En la obra, dos jóvenes mujeres aparecen en un entorno ardiente, una con la ropa destrozada y la otra sosteniendo una piedra con la mano. Sus miradas transmiten tanto asombro, miedo y determinación. Las protagonistas representan la resiliencia femenina en contextos donde la vida cotidiana se ve interrumpida por la violencia. Sus cuerpos, expuestos a la vulnerabilidad, son también emblemas de resistencia. La atmósfera saturada de rojos y magentas intensifica la sensación de peligro y de urgencia, pero también otorga a las figuras una dimensión casi mítica. Ellas son las últimas heroínas, porque, a pesar de la destrucción, se mantienen vivas y de pie, con la mirada puesta hacia el futuro.